En febrero de 2019 era presentado como el nuevo director del Teatro de la Maestranza y, un mes más tarde, se producía el confinamiento por la pandemia del Coronavirus. Una compleja situación, la que se ha encontrado Javier Menéndez, que no le ha impedido sacar adelante proyectos como “Carmen”, la más reciente ópera en dicho espacio con la que se ha demostrado, una vez más, que la cultura es segura…y necesaria. Tras la presentación de la próxima temporada -en la que figuran títulos como “Madama Butterfly” o “La Traviata”, y figuras flamencas como Sara Baras-, el que también fuera director adjunto del Gran Teatro del Liceo -y director artístico de la Ópera de Oviedo-, expone, en esta entrevista exclusiva para Sevilla Magazine, cuáles van a ser los puntos básicos de su gestión al frente de uno de los espacios de lírica y música clásica más importantes de España.

-Una etapa difícil con la que te ha tocado lidiar…

-Desde luego. A veces pienso que llevo cinco meses y otras, diez años. Es una sensación muy contradictoria y extraña. Cuando llegué tuve que montar la temporada 19-20, que tenía bastantes huecos y que, acostumbrado a ir con dos o tres años de previsión, supuso improvisar bastante. Eso mismo se vio cortado en pleno marzo, cuando estrenábamos “El barberillo de Lavapiés” y, a partir de ahí se vino todo abajo… Al Teatro lo hemos puesto en una increíble situación de estrés y, si hemos salido de ésta, podemos salir de cualquiera. El departamento de taquillas, por ejemplo, ha sido sometido a una presión tremenda con cambios, devoluciones, pasar de más aforo a menos… El día a día nos ha devorado permanentemente… Con el Ballet Nacional de España tuvimos que llamar a 500 personas porque, en esa misma función, tres horas después, no podían venir por las restricciones de sitio. Se les ofreció pasar del viernes al domingo, lo que supuso un nivel de esfuerzo, profesionalidad y calidad, por parte del equipo, que es con lo que me quedo. Eso, hace dos años, me hubiera parecido imposible.

-¿Bajo sentimiento has vivido todo esto? ¿Tristeza? ¿Resignación?

-Un punto de resignación, sí. Y tal vez algo de frustración al tener que modificar lo previsto. Luego, cuando recolocas, compruebas que hay suficiente nivel para que el público, andaluz y nacional, lo disfrute.

“En pandemia hemos puesto al Teatro en una increíble situación de estrés y, si hemos salido de ésta, podemos salir de cualquiera… El día a día nos ha devorado permanentemente y, lo fácil, hubiera sido cerrar”

-¿En qué piensas que la pandemia va a incidir en el funcionamiento habitual del Teatro de la Maestranza?

-Quiero ser positivo. El teatro tiene que ver con la experiencia en directo, con una comunidad que se reúne y que intercambia una energía con unos artistas que no creo que pase por una oferta online (algo que está muy bien, por el alcance). Por eso hemos estado abiertos y hemos mantenido esa llama viva de la cultura, porque lo más fácil este año hubiera sido cerrar. No me planteo un formato diferente, aunque tengamos que llevar la mascarilla un tiempo. Poco a poco iremos recuperando la normalidad y espero que eso suceda en el 2021-22.

-Sin embargo, el déficit en las cuentas del Teatro es próximo a los 800.000 euros… ¿Afecta en que las producciones sean cada vez más minimalistas?

-Eso no tiene tanto que ver con el dinero como con una tendencia, con la que estoy absolutamente de acuerdo. La ópera, gracias a Dios, ha dejado esos montajes grandilocuentes para tender a la pura dramaturgia y teatralidad, el movimiento escénico, el espíritu de la obra. El teatro lírico es mucho más que una escenografía cinematográfica. Hoy día, los directores de escena de primer nivel, con poco, plantean opciones con una potencia emocional inmensa. Eso se consigue mucho con la interacción de cantantes-actores que no son solo cantantes… Antes se ensayaba menos y se ofrecía más una apariencia que un ejercicio profundo a nivel teatral. Aparte, lo sencillo tiene a veces una complejidad técnica tremenda, una orfebrería y relojería que no siempre se aprecia y que también es bonito.

-¿Cuál es tu estrategia para que las nuevas generaciones se enamoren de la ópera y el mundo lírico, en general?

-La ópera -cada vez menos, desde luego-, tiene un aura de algo anticuado y es fundamental que exista una propuesta global, donde la parte musical y teatral dialoguen de igual a igual. Hoy día no existen “estrellas” como una María Callas, una Caballé o un Franco Correlli, pero los espectáculos están mucho más cuidados. El concepto de la ópera ha cambiado radicalmente y eso es fundamental para la supervivencia de esta rama del arte. Y claro que hay que atraer a los más jóvenes, lo que intentamos actualizando obras de hace 200 años con propuestas como la que hicimos con “Agripina”, donde trasladamos su concepto barroco a las series de “Dinastía” y “Dallas” y el mundo de las empresas, cuyas intrigas son más asequibles a la mirada actual que la antigua Roma. Por otro lado, es esencial hacer estrategias de precios pues, aunque el Maestranza no es de los teatros más caros, para una persona de 20 años no es fácil pagar entradas para títulos operísticos. Nosotros tenemos descuentos hasta el 80 por ciento, segundos repartos para abaratar precios, ensayos generales a los que hemos traído colegios que han quedado encantados… La cuestión es que este público pruebe y cambie su idea de la ópera.

“El concepto de la ópera ha cambiado radicalmente y eso es fundamental para la supervivencia de esta rama del arte. Hay que atraer a los más jóvenes actualizando obras y con estrategias de precios”

-¿Se echan de menos influencers que, en este sentido, tiren de ese colectivo de los más jóvenes?

-A los ancianos no se les pregunta por qué no van a un concierto de rock… (sonríe). La gente entra en repertorios más clásicos a edades más tardías. Se trata de ir cogiendo el gancho para que, ese “virus”, entre. Yo mismo -y desde pequeño me gustó la ópera-, tuve una época en la que dejé de ir y eso es inevitable. Hay que aceptarlo con naturalidad, aunque sí hay referentes como Jakub Orlinski, un contratenor con muchísimos seguidores en Instagram. Claro que, mientras más influencers tuviéramos en nuestro campo, más fácil sería enganchar a los jóvenes a la lírica.

-¿Cuál pretendes que sea tu sello personal como director del Maestranza?

-Yo no quiero un sello personal. El teatro va mucho más allá del director, y el discurso artístico debe crearse en torno al lugar en sí. Éste tiene treinta años ya y uno no puede renunciar a esa trayectoria, que además es absolutamente enriquecedora. Es una cuestión de evolución, de no partir de cero sino de lo que ya existe. El sello no es Javier Menéndez sino Maestranza y, como mucho, puedes intentar cubrir los huecos para que sea parte imprescindible de la comunidad donde se asienta. Sea como sea, a los espectadores también hay que sorprenderlos. No somos un museo sino arte vivo y, en algún momento, remover consciencias es sano.

-¿Intentas, pasando desapercibido, escuchar las opiniones de los espectadores al respecto de lo que vienen a ver?

-Soy un poco despistado, pero claro. Si no, tengo espías que te cuentan (risas). Hay de todo… En la “Carmen” que acabamos de hacer de Calixto Bieito ha habido asistentes encantados, molestos, que se han convencido al asistir a la representación… Lo importante es que haya una coherencia y unos niveles de calidad irrefutables. A mí mismo me pasa. Hay intérpretes que me agradan más y otros, no tanto, pero uno no puede programar según sus gustos.